ARQUITECTAR

Alicia dice que como sus padres son arquitectos, lo que hacen es arquitectar.

Le hemos dicho que tiene madera de poeta. ¿no os parece?

También arquitectamos con ella.

Redescubriendo el Mediterráneo

Hemos visitado esta exposición:

Redescubriendo el Mediterráneo
Sala Fundación MAPFRE Recoletos

La exposición

El cambio de siglo trajo a toda Europa un redescubrimiento del mar, y en concreto del Mediterráneo, que no se había dado hasta el momento; y no fue solo en el ámbito estético. Se pusieron de moda los baños de sol, beneficiosos para la salud tanto del cuerpo como del alma, y los herederos del impresionismo buscaron la luz y el color vibrante de las olas.

El Mediterráneo como paisaje, como espacio geográfico, pero también como cultura, como idea. Con todos sus matices, el Mediterráneo se convirtió en motor de renovación del arte para pintores como Monet, Renoir, Cézanne, Seurat, Derain, Braque, Bonnard, Matisse, Joaquín Sorolla, Ignacio Pinazo, Joaquim Mir, Joaquim Sunyer, Picasso, Giorgio de Chirico o Carlo Carrà, por citar sólo algunos nombres.

La exposición Redescubriendo el Mediterráneo pretende hacer un recorrido a través de pinturas y esculturas de aquellos artistas que, en ese periodo, encontraron un momento feliz en el modo de hacer arte y de representarlo. El Mediterráneo como reconciliación con el pasado pero también como lugar de libertad artística se convertirá en una de las grandes referencias para la creación y evolución de un arte moderno.

Cuatro Claves

España: Valencia, Cataluña y Palma de Mallorca son algunos de los lugares en los que por su ubicación geográfica la pintura moderna española encontró, desde mediados del siglo XIX, uno de sus referentes. Comenzaron a valorarse la naturaleza y las actividades playeras junto al turismo y el veraneo. Ignacio Pinazo y Joaquín Sorolla fueron algunos de los artistas que, durante estos años, dirigieron su mirada al Mediterráneo.

Francia: El sur de Francia se convirtió a partir de 1880 en uno de los destinos preferidos por los pintores que buscaban nuevos horizontes. El Midi [el mediodía o sur francés] se convirtió en una especie de taller a cielo abierto para varias generaciones de pintores que huyen de los embates del mundo urbano. La identificación fue tal que cuando hoy en día hablamos de “los talleres del Midi” nos cuesta disociar a los artistas de los lugares en los que residieron: Aix-en Provence con Cézanne, Arles con Van Gogh, Niza con Matisse, Cannet con Bonnard o Cagnes-sur-Mer con Renoir.

Italia: Las obras de los artistas italianos parecen inherentes a la cultura mediterránea. Más allá del tema o la escena que representan, prevalece la idea que cada uno de estos artistas traslada a sus pinturas, como si se tratara de recuperar un pasado mítico que, por derecho propio, les pertenece. Los artistas italianos que presentamos en esta exposición basarán sus ideas en la recuperación de lo antiguo, el mito y el clasicismo sin olvidar la reconciliación con la pintura moderna en la que ellos mismos se inscriben.

Matisse y Picasso: Tanto la obra de Matisse como la de Picasso parecen aglutinar aspectos de buena parte de los artistas presentes en la exposición. La placidez que transmiten las composiciones de Matisse, recogen aspectos de Bonnard, de algunos fauves e incluso de ciertos artistas valencianos y catalanes. Por otro lado, la ambivalencia de las obras de Picasso: narrativas algunas, clásicas y primitivas a un tiempo, muestran toda la agresividad y la melancolía del artista, de una vida.

(extracto de la presentación de la exposición en la pagina web: 

Fundación Mapfre

Opinión

Me ha llamado la atención la fuerza expresiva de la luminosidad y colorido de los pintores Sunyer, Pinazo y Sorolla, en la vertiente española.

En la vertiente francesa me ha impactado la relación tan estrecha que tenían todos los pintores impresionistas en relación con la costa azul (con las visitas, estancias referencias cruzadas de obras entre todos ellos)

En relación con la vertiente italiana conocía bien la obra de Giorgio de de Chirico pero en la exposición había obras que no había visto nunca y la obra de Carra que no conocía.

MÚSICA Y ARQUITECTURA

El colegio de arquitectos de Madrid programó para el día 21 de mayo de 2017 una jornada en la que se presentaba una película de la relación entre música y artes plásticas. Posteriormente, se realizó un taller con niños en el que se puso una audición de Mozart y los niños interpretaron la música realizando una composición plástica por grupos de edades. Al final, con los paneles se compusieron unos cubos que se expusieron.

La organización corrió a cargo de grupo de infancia del Coam, del cual saludamos a nuestros amigos María Jesús, Antonio y Patricia.

Encuentro con Antonio López Club 567

He asistido el pasado día 19 de abril en el club 567 a una interesante tertulia con Antonio López y Rafael Ansón.

Se tocaron varios temas muy interesantes acerca del estado del arte y en especial la pintura, su forma de crear y de entender el mundo que le rodea.

Además de hablar, como no, del mercado y del mercadeo de las obras de arte en España, Antonio López hizo un comentario acerca de lo comprometido que es poner un cuadro realista en un espacio en comparación con un cuadro abstracto. Decía que poner un cuadro realista exigía un fuerte compromiso y que generaba una fuerte tensión en el espacio de exposición; sin embargo, los cuadros abstractos se puede colocar en cualquier lado porque servía como "decoración" sin compromiso con el contenido del cuadro ni con su significado. Me pareció interesante esta interpretación.

El palacete de la calle Jorge Juan, donde está el club 567, magnífico.

KANDINSKY una retrospectiva

Hemos visitado la exposición la retrospectiva de Vasily Kandinsky en el centro Cibeles de Madrid.

Está bien estructurada basándose en una línea cronológica.

Nos ha permitido repasar las obras que habíamos estudiado en la carrera, con la gran importancia que tuvieron sus escritos y su presencia en la bauhaus (Mi proyecto fin de carrera era una ampliación de la bauhaus en Weimar para hacer una universidad).

Ne vuelto a leer el libro de "de lo espiritual en el arte" y le he encontrado otros significados más profundos de los que tuve cuando estudié la carrera. 

Asimismo he encontrado este escrito que resume de una forma clara la aportación de Kandinsky en el libro de Punto y Línea sobre el plano.

Wasily Kandinsky, Punto y línea sobre el plano

Contribución al análisis de los elementos pictóricos, Munich: 1926.
Respecto al libro se emplaza en el contexto de la Bauhaus de Dessau. La primera edición es de 1926, su título original es Punkt und Linie zu Fläche, publicado en Munich, hemos de situarlo en la colección de los Bauhaus-Bücher (publicaciones dirigidas por W.Gropius y L.Moholy-Nagy, con fines didácticos. El libro de Kandinsky corresponde al volumen IX). La segunda edición en alemán es de 1928.
La primera traducción al inglés se data en el año 1949 y la lleva a cabo Hilla Rebay con el título Point and line to plane. En castellano la primera edición que he localizado es de 1969, realizada en Buenos Aires por Ediciones Nueva Visión. En francés encontramos el libro en el año 1970 con el título Point et ligne sus plan. Contribution à l’analyse des éléments de la peinture, hecha por las Ediciones Denoël en París. La edición más reciente traducida al castellano por Roberto Echavarren (utilizada para la realización de este trabajo) es de 1996, publicada por Paidós en Barcelona.
La portada
Es un resumen anticipatorio de los que nos vamos a encontrar con la lectura del libro. Aparece representado un punto geométrico de un tamaño considerable, al cual abrazado una curva enfatizada, subrayado por una línea recta enfatizada, y debajo de esta una forma geométrica, el cuadrado. La composición está más o menos centrada.
Las tensiones están descompensadas, ya que los extremos de la curva uno es estrecho y tiende hacia arriba, donde se encuentra la ligereza; el otro más grueso y se sitúa en el centro, aquí la tensión es más pausada.
Después la bidirección de la recta hacia se dirige a la derecha, el lugar del recogimiento; y a la izquierda, la zona de la libertad, estas tensiones están equilibradas en ambas direcciones. A su vez la recta se encuentra en la parte inferior de la composición que es donde se encuentra la pesadez.
La composición se dividiría en dos: la curva que asciende a la parte superior y la recta que desciende a la parte inferior, pero el principal elemento vertebrador, que aparece impasible, estático, es el punto que impide que la curva ascienda y permite a la composición estar en su sitio. Luego hay otro elemento secundario que permite que la recta no descienda, que es el cuadrado, pero que comparándolo con la rotundidad del círculo prácticamente pasa inadvertido.
El libro se estructura en tres grandes bloques formales: el punto, la línea y el plano, los cuales son desarrollados de manera minuciosa.
- El punto:
“[el punto] Liberado de la subordinación práctico-funcional, comienza a existir como ser independiente… Este es el mundo de la pintura.”
“El punto es el elemento primario de la pintura”
En el punto se sitúa todo origen de una obra artística ya que es la parte más mínima y escueta de la obra. También sitúa en el punto, el origen del resto de las formas naturales.
El aspecto exterior del punto geométrico determina su aspecto externo, se le suele considerar pequeño y circular, pero esta idealización es equivoca porque puede adquirir cualquier aspecto, ya que el punto se produce “del choque del instrumento con la superficie material” con lo cual la huella del punto está en relación con la herramienta que se haga.
La tensión del punto tiene una tensión concéntrica y carece de movimiento, es estático, comparándolo con las relaciones humanas, el punto sería el silencio en una conversación.
Kandinsky plantea que el punto puede formar una composición por sí solo, la más sencilla sería el punto en el centro de un plano cuadrado pero a penas tiene sonoridad. Si cogemos este punto y lo situamos en otro lugar del plano, aparece la bitonalidad. Ahora bien si repetimos este punto y le alteramos en tamaño y forma podremos alcanzar el cenit en la sonoridad.
- La línea:
La definición sería: la sombra que deja un punto al desplazarse en cualquier dirección. A diferencia del punto la línea es dinámica y aparte de la tensión también consta de dirección. Las líneas se pueden vivir en tres grandes grupos:
I- Líneas simples. En cual estarían las líneas rectas que se dividen a su vez en: horizontales (tienen un carácter frío), verticales (carácter cálido) y diagonales (carácter templado). El resto de rectas son derivaciones de las diagonales y dependiendo de su posición (más vertical o más horizontal) así será su carácter.
Cuando nos encontramos con un complejo de rectas tenemos que pueden ser acentrales, las cuales no pasan por el centro y son las primeras en asociarse a colores: el amarillo y el azul. Y las centrales, las líneas pasan por el centro y se relacionarían con el blanco y el negro. En la transición de acéntricas, el lirismo frío se va volviendo cálido hasta alcanzar una calidad dramática, lo que significa que las líneas guardan todos los sonidos desde el lirismo inicial al dramatismo final.
II- Líneas complejas. Son las quebradas o angulares, surgen del choque de los líneas rectas y se van a catalogar según su ángulo: agudo (45º, son líneas activas y calidas), recto (90º, tienen un frío controlado) y obtuso (135º, son torpes y débiles). Cuanto más cerrado es el ángulo es más cálido y según se va abriendo se vuelve más frío.
De estos ángulos surgen las formas primaras que a se vez se corresponden con un color: con tres ángulos agudos conseguimos un triángulo y su color asociado es el amarillo; con cuatro ángulos rectos obtenemos un cuadrado y su color es el rojo; y con el ángulo obtuso la forma que alcanzamos es el círculo al cual le corresponde el azul. Estas formas y colores aportan una trisonancia a la composición.
Para concluir decir que las líneas quebradas se pueden complicar añadiéndole otras líneas ya existentes.
III- La curva. La curva simple surge a través de una recta que ha sido desplazada de su camino por una presión constante (cuanto mayor es esta presión más cerrada es la curva). Esta curva contiene el germen del plano más inestable-estable, el círculo.
Nos encontramos con dos tipos de curva: la geométrica ondulada (los radios y las presiones negativas-positivas, son iguales) y la libremente ondulada (desaparece el aspecto geométrico, los radios y las presiones negativas-positivas están “al libre albedrío”)
En relación a todo el tipo de líneas también hemos de de tener en cuenta su énfasis, es decir, la anchura de la misma, ya que es un motivo claramente de sonoridad.
Llegados hasta aquí cabría preguntarse cómo se consigue la representación gráfica de estos dos aspectos formales vistos hasta ahora. Kandinsky da tres procedimientos, el aguafuerte, la xilografía y la litografía.
- El plano básico:
El plano viene delimitado por dos líneas horizontales (frías) y dos verticales (cálidas), con lo cual tiene una sonoridad equilibrada. Su forma básica es el cuadrado. Si tenemos que otorgar atributos a las partes, éstos serían: para el arriba, ligereza, liberación y libertad misma; para el abajo, condensación, pesadez, ligazón; para la izquierda, soltura, ligereza, liberación y finalmente libertad; y para la derecha, condensación, pesadez, las tensiones chocan con mayor oposición.
Hemos de tener en cuenta que estas tensiones se pueden neutralizar con formas opuestas, por ejemplo formas pesadas arriba y ligeras abajo. También considerar que el movimiento hacia la izquierda, es hacia la liberta y el movimiento hacia la derecha, es de recogimiento, interiorización.
El plano da dos posibilidades para colocar los elementos: una es que estén colocados de tal forma que fuercen el sonido del plano, y la otra es que los elementos se encuentran sueltos en el plano, llegando a flotar y sin conocer límites precisos.
En el plano también van a aparecer los antagonismos: máximo (cuando las figuras van dirigidas a la máxima tensión) o moderado (las figuras se dirigen a una tensión moderada).
Decir para terminar que, una de las formas de conseguir sonoridad se realiza a través de la distancia entre la forma y el borde. La cercanía al borde aumenta el sonido dramático de la construcción, el mayor acercamiento al centro le presta un sonido lírico. Además cuando las rectas son reemplazadas por curvas, la suma de los sonidos aumenta.
Conclusiones:
La contradicción producida en una época en la que su arte coetáneo aún no es entendido, que con el triunfo del nazismo llegara a denominarse degenerado, resulta chocante que en la Bauhaus aparezca esta serie de libros, los Bauhaus-Bücher, detallando minuciosamente aspectos formales, estéticos, creativos… para la realización de obras de arte.
Al ser un libro en su totalidad didáctico no sería aventurado decir que se puede poner en relación con la tradición medieval (que sobre todo se da en esta área geográfica Alemania sus entornos) del libro de taller, ya que los bauhasianos son grandes conocedores la Historia del Arte anterior. Sino véase por ejemplo al monje Teófilo y su libro Las diversas artes en el cual detalla la elaboración de una vidriera. Kandinsky detalla la elaboración de una obra a través de puntos, líneas y planos.
Destacar el nihilismo de Kandisky, porque sí el punto es la parte mínima e invisible (nada) y el todo proviene del punto, nos encontramos con un silogismo muy sencillo “el todo es la nada”, que por similitud se puede comparar con el arte abstracto, porque éste parte de objetos reales, los cuales el artista reinterpreta en formas llegando a la abstracción, este proceso es irreversible, con lo cual tenemos una obra que no representa nada (aunque más adelante Ángel Ferrant publica un texto: “todo se paree a algo” cuya conclusión es como el título: todo se parece a algo y ese algo es humano).
Cuando habla de la vertical y la horizontal (concretamente de la formación del eje de coordenadas) lleva implícitos conceptos teosóficos, que ya también uso Mondrian. Ya que la vertical es el hombre (por connotaciones fálicas) para Kandinsky es lo cálido; y la vertical es la mujer, la tierra fértil, para Kandinsky es lo frío. La unión de estas dos rectas en un eje de coordenadas, será en concepto teosófico el andrógino.
Para acabar, en relación a los colores comentar que tanto Kandinsky, como el neoimpresionismo, fauvismo… son herederos de las teorías de Chevreul, que publicó en 1889 El principio de armonía y contrastes de colores para aplicarlo en el arte, es primer texto rigurosamente científico en relación al color, Kandinsky innova al asociar los colores a figuras geométricas. (Este artículo lo he encontrado en http://publicacionesbauhaus.blogspot.com.es/2007/12/wassily-kandinsky-punto-y-linea-sobre.html )

 

Dejo para más adelante escribir unas notas acerca las nuevas reflexiones a las que me ha llevado la lectura de "de lo espiritual en el arte", en la que he encontrado muchas similitudes con la expresión arquitectónica.

Exposición Impresionistas y Postimpresionistas, el nacimiento del arte moderno

Exposición Impresionistas y Postimpresionistas, el nacimiento del arte moderno

Fundación Mapfre, Madrid

presentación de la exposición con Autoretrato de Van Gogh

La exposición da una visión de conjunto de lo que supuso el nacimiento del arte moderno a través de una selección de 78 obras del Musée d'Orsey, que muestras obras singulares que reflejan el final de impresionismo y del postimpresionismo.

Entre 1874 y 1886 acontecieron las ocho exposiciones de los impresionistas que hicieron saltar por los aires la concepción tradicional de la pintura.

Los artistas y los movimientos que mejor representan dicho corrientes fueron:

Monet, Renoir, Cézanne y su entorno de influencia, Toulouse-Lautrec y Montmartre, el neoimpresionismo, Van Gogh, Gauguin y la influencia de Pont-Aven y, por fin el grupo denominado Nabi.

En la exposición se ha podido apreciar una visión de conjunto de estos movimientos tan importantes para la pintura moderna.

Efecto del viente de Monet

Bodegón con cebollas de Cézanne

la payasa Cha-U-Kao de Toulouse-Lautrec

La entrada del puerto de Marsella de Signac

Coronas imperiales en un jarrón de cobre de Van Gogh

El salón de baile en Arlés de Van Gogh

La catedral de Rouen de Monet

Las bañistas de Renoir

Marina con vaca de Gauguin

Campesinas bretonas de Gauguin

el talismán de Sérusier

Las musas de Maurice Denis

(visita realizada el 5 de marzo de 2013)

Exposición Luces de Bohemia

Luces de Bohemia. Artistas, gitanos y la definición del mundo moderno

Fundación Mapfre, Madrid

Luces de bohemia. Artistas, gitanos y la definición del mundo moderno presenta los orígenes de la bohemia artística y describe su vínculo con la representación de los gitanos en el arte, a través de un centenar de obras maestras de artistas como Goya, Watteau, Gainsborough, Teniers, Corot, Delacroix, Courbet, Manet, Degas, Sorolla, Sargent, Signac, Van Gogh o Picasso, entre otros.

Paisaje con cueva y grupo de gitanos. David Teniers

La exposición se centra en los siguientes capítulos:

La ruta de los gitanos. Tópicos y leyendas

Fascinación desde 1420 en pintores y escritores. La buenaventura que anunciaba el cortejo amoroso. 

El escenario donde se representó a era la naturaleza, como paradigma de la forma de vida de los gitanos nómadas. Se crea una oposición entre la vida errante de esta étnia y la sedentaria de las ciudades. Encarnaron la armonía de vida entre el hombre y la naturaleza, desligada de las fuertes estructuras sociales de la burguesía. 

Courbet escribió en 1853 que pretendía iniarse en la vida vagabunda e independiente del gitano. Así se comienza a gloficar el vaganbundeo. 

Tras Courbet y Manet, se pinta la vida de las clases marginadas como expresión de algo más real y sincero.

(bebedor de agua de Manet, Caravana de gintanos de Van Gogh)

Gitana. Kees van Dongen

El mito de la Gitana

Los temas españoles gozaron de gran prestigio entre los artistas parisinos. (Campamento gitnano y El baile español de Sargent). La gitana aflora desde el mito de la gitanilla de Cervantes. También Esmeralda de Victor Hugo y Carmen de Mérimée, como símbolo de provocación, libertad, sensualidad y alteridad de la gitana española.

Autorretrato ante el caballete. Francisco de Goya

Azoteas en Barcelona. Pablo Picasso

Un par de botas. Vicent van Gogh

El artista moderno

Dentro de los cenáculos de los artistas que pretendían expresar su ruptura con las tradiciones burguesas, se autoafirman en su libertad e individualidad. Goya en su autorretrato afirma su indidualidad. La popularización de la vida bohemia comienza con "escenas de la vida bohemia" de Henry Murger, La boheme de Puccini, etc. Los jóvenes adoptan los códigos de conducta (penurias económicas, hambre, aislamiento social).  Se sacraliza la figura del la vida errante como camino de la creacción. (Ma boheme de Rimbaud, Un para de botas de Van Gogh).

Vagabundo bajo la nieve. Theophile Alexandre Steinlen

Montmartre y otras escuelas de la bohemia

Al final del siglo XIX lo bohemio se identificó con Montmartre y su  vida nocturna. Los artistas españoles se sienten fuertemente atraídos por este ambiente.

Un rincón de mesa. Henri Fantin-Latour

(visita el 5 de marzo de 2013)

ARCO 2013 Visita critica

VISITA A ARCO 2013

Hemos encontrado un poco de todo. Parece que con la crisis, todas las galerías presentes y los artistas representados, han optado por exponer obra clásica que no genere polémicas ni tensiones que puedan poner en retaguardia a posibles compradores...

Como arquitectos, nos pareció interesante la instalación de la zona de descanso VIP con estructuras metálicas de las utilizadas en los tabique de cartón yeso. El espacio conseguido explorando este material crea espacios con una fluidez y transparencia interesantes de visitar.

También me gustaría destacar la oportunidad de colocar paneles acústicos inclinados en el techo con perforaciones de diversos tamaños para filtrar las frecuencias medias y evitar reverberaciones y reflexiones. El ambiente lleno de gente, no parecía ruidoso, dando un ambiente acogedor.

Los stands de las galerías y de obras, muy ortodoxos y clásicos, sin ninguna sorpresa.

 Me pareció interesante el cuadro que hacía una reflexión acerca del estado del arte en el mundo de las restricciones del copyright. Así que en algunos stands nos miraban con recelo a los que hacíamos fotos de los montajes o de las obras. ¡Dónde hemos llegado a parar!

reflexiones con los materiales

Arte digital. Es una cara tallada con sistemas numéricos.

Esta reflexión acerca del ojo que mira al observador, está llena de actualidad.

 Materiales y texturas, con cambio de escala, otra reflexión muy arquitectónica y escultórica.

 Reflexión acerca del soporte y de la planeidad de la obra pictórica. Entre el manierismo y la escultura.

 Muy oportuna reflexión acerca de los materiales que acaban su ciclo de vida útil. Está en la onda de mi reflexión plástica acerca de los materiales que pueden tomar una nueva vida, metiendoles en un nuevo ciclo de vida que sublima su anterior uso. Mis últimos cuadros tiene componentes de materiales de desecho como latas y clavos viejos. 

 Una obra graciosa por estar entre los manierista de la plástica y la artesanía contaminada de surrealismo.

 Muchas obras que se basan en objetos artesanos que se les da una lectura singular. Reflexiones tímidas acerca de la materia y la forma.

Obra clasica de Genovés. 

Construcción efímera de asientos de cartón. Se generaron muy interesantes objetos como materiales efímeros y reciclados.

Aunque tenía un pase para visitar la feria de varios días. No encontré argumentos ni fuerzas suficientes para volver más días. Bien, discreto, digno, pero muy en consonancia con la crisis actual...

Ah, como comentario final: Todas las conversaciones que oí fueron de pintores y escultores que iban haciendo un análisis de los expuestos. No vi ni a un  posible o potencial comprador. Toda la gente parecía  vinculada con las manifestaciones artísticas de una u otra manera. ¿Tal vez sea por los precios de la entrada? ¿O porque esta feria ya no se hace para posibles compradores? 

¡El mundo de arte que siempre está y ha estado en crisis, y, yo espero que lo siga estando, por su propio bien!